El próximo jueves,  21 de marzo, las 19:30 horas, en ABIERTO Espacio Cultural de la Fundación Iberoamérica Europa, tendrá lugar la inauguración de la exposición “Madre. La sustancia visionaria II. Poligrafías del regreso”, del artista  vasco Josué Pena, la cual podrá visitarse hasta el 26 de abril de 2019.

Josué Pena

           (Sestao 1964). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 1990, es un artista de gran recorrido y reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional. Tras licenciarse trabajará como profesor asociado en la Universidad del País Vasco entre 1992 y 1995, años en los que participa también en el taller de pintura de Manolo Quejido en Arteleku y en la realización de la pieza Wall Drawing #700 de Sol Lewitt en la sala Rekalde de Bilbao.

       Es de destacar su intensa labor expositiva con más de un centenar de muestras, tanto individuales como colectivas.  Desde 1995 expone habitualmente en Vanguardia Bilbao con la que ha participado en ferias como ARCO Madrid, Art Forum de Berlín, Art Cologne , Art Brussel y Art Lisboa e intercambios con otras galerías como la Ludwig en Krefeld, en Alemania.

    Su intensa actividad artística queda reflejada también en los numerosos premios y distinciones recibidos durante su carrera y su amplia proyección nacional en distintas ciudades entre las que cabe destacar Bilbao, Barcelona, Pamplona, Vitoria, Madrid, Santander, Santiago de Compostela, Málaga y su Sestao natal   entre otras muchas de la geografía española.

Madre. La sustancia visionaria II. Poligrafías del Regreso

       La Exposición que ahora nos presenta, viene a completar el ciclo del proyecto iniciado en 1994. Fecha clave en el desarrollo de su trayectoria profesional. Tras haber ganado el primer premio GURE ARTEA de grabado en el 89 y el primer premio de pintura BIZKAIKO ARTEA, en el 90 entre otros. Su participación en ARCO del 1995 con “La sustancia Visionaria I” tuvo gran aceptación y su primera obra de gran formato adquirida por un Museo le llega de la Mano de ARTIUM, Centro-Museo vasco de arte Contemporáneo, ese mismo año .

        En esta nueva experiencia Josué Pena nos plantea como en su trayectoria artística, muchas veces el autor vuelve al origen. Después de múltiples y diferentes proyectos e incluso temáticas, llega un momento que necesitan volver encontrar su “yo” personal que si bien siempre está implícito, a veces se encuentra oculto bajo las influencias y tendencias del arte actual.  En las propias palabras del artista:

    “El espacio ABIERTO, de la FUNDACIÓN FIE me ofrece la oportunidad de exponer mis últimos trabajos y algunos anteriores que aluden en distinto  modo a la Naturaleza desde un punto de vista humano, sensorial y que se ha realizado de una forma abierta y amplia para que todas aquellas personas que se acerquen a verla puedan observarla, sentirla, pensarla, conducirla a algo propio.  Madre propia, protectora, Madre global. Ya tenemos tres conceptos con los que se pretende trabajar; la Naturaleza, la Madre y el Arte con la pintura como conductora de este concierto”.

Este  19 de Febrero de 2019, a las 19.30 horas, en Abierto Espacio Cultural, acogeremos el club de lectura entorno a la reciente publicación de “Cuánto Azul” de Percival Everett por DE CONATUS Editorial. El evento coincidirá con la actual exposición Closethe Word de ElenaCaicoya, cuya obra y temática son el complemento perfecto para conversar sobre la última novela de Percival Everett.
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​Percival Everett

Percival Everett nació en Georgia (EE. UU) en 1957. Durante su trayectoria ha escrito treinta libros, de los cuales han sido publicado nuestro pais“No soy SidneyPoitier” y recientemente “Cuánto azul”.

​Pertenece a esa clase de autores no comerciales, muy valorado por la crítica por su originalidad y su voz satírica. Actualmente, vive en Los Ángeles y es Catedrático en la University of Southern California y ha sido galardonado con el premio Pen Club de Estados Unidos y el de la Academia Americana de las Artes y las Letras entre otros muchos.

Cúanto azul

Un afamado pintor de mediana edad nos cuenta cómo se ha librado del peso de un secreto que no le permitía vivir. Un secreto lleva a otro y a otro hasta que la comunicación con los más cercanos resulta imposible. El protagonista cuenta su viaje juvenil a El Salvador atravesado por la muerte y la violencia, un affair amoroso en París y su fracturada vida familiar en los Estados Unidos.

Una historia actual contada con una sencillez de lenguaje llamativa y que alcanza una gran profundidad.

Junto al secreto aparecen temas tan actuales como las diferencias sociales, los problemas de comunicación en la familia, el arte y la vida cotidiana, y, sobre todo, la necesidad de abandonar el desdoblamiento para tener una vida digna.

¿Nos damos cuenta de que las decisiones que tomamos están condicionadas por nuestros secretos?Un libro en el que la amistad aparece al mismo nivel que el amor. ¿Qué podemos llegar a hacer por una amistad?

La acción transcurre en una vida cotidiana como la nuestra, aunque el protagonista-narrador sea un pintor afamado. De manera que leemos la historia con suma atención.

Desde el punto de vista ideológico, resulta muy interesante la salida de la ironía postmoderna del personaje hacia un deseo de vida más humanista.

​El pasado  1 de febrero tuvo lugar en Abierto Espacio Cultural la inauguración de la exposición “Close the Word”, de la artista Elena Caicoya, la cual podrá visitarse durante todo el mes en la sala de la madrileña calle General Arrando, 14, sede de la Fundación Iberoamérica Europa.

Elena Caicoya

El interés de Caicoya por el arte y sus manifestaciones surge en ella de forma temprana en su niñez y será potenciado por David Smith, el cual le impartió clases durante su estancia londinense y que ella misma considera como su “gran maestro”.  De vuelta en España ingresa en la Escuela de Artes y Oficios para más tarde, ya en su etapa universitaria, decantarse por la Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Complutense.

Su esfuerzo, dedicación y talento se ven reflejados en una trayectoria expositiva intensa, que ha despertado el interés y la buena acogida del público, además del reconocimiento de instituciones como la Fundación Ramón Aceres y la Fundación de Amigos del Museo del Prado.

En la actualidad Caicoya,  ha establecido su taller en Vigo, donde pasó su infancia, en un proceso que ella misma ha denominado como “la muerte y resurrección”.

Close the Word

La exposición gira en torno a aquello que forma parte de nuestra cotidianeidad dentro de lo urbano, elementos que pasan desapercibido en el acelerado ritmo de la urbe.

Caicoya toma estos elementos, los resalta y los convierte en manifestaciones artísticas únicas, como ella misma expresa:
Mi trabajo es un reclamo a la detención, a la parálisis, es la búsqueda de la necesidad de pararse, de detenerse en el aquí y ahora de una forma respetuosa al momento. La mirada y reflexión en él instante.  Dar una perspectiva de la realidad a través de la educación visual, mostrando distintas formas de los modos de ver y de observar.

La búsqueda de la belleza en lo aparentemente muerto o decadente, resignificando los espacios y objetos, otorgándoles una nueva vida. Los mensajes y voces que los muros y calles de las ciudades guardan, donde se esconden gritos de personas que sienten la necesidad de expresarse.
 
Palabras dentro de palabras en formas de advertencia, que hacen de guía a la fugacidad y señalan caminos inertes al caos…

Este jueves, 10 de enero, en Abierto Espacio Cultural  tuvo lugar la presentación del poemario “Saudade, el jardín de las rosas azules” de Cristina Merino, con gran afluencia de público y  en un ambiente  cálido e intimista protagonizado por la  Poesía, la Música y las obras de arte de reconocidos artistas que se muestran en esta sala madrileña, sede igualmente de la Fundación Iberoamérica Europa.

El recital de Cristina Merino, que fue presentada por el abogado Pedro José Salvador, contó con la participación de las actrices Irene Mayo y Nora Callejo que dieron lectura a los poemas y versos de Merino y la música que siempre la acompaña de Joel Reyes y Manuel Cuesta, Nadia Álvarez, Lucky Jon y Mario Díaz.

Una noche muy especial donde el talento, la música, la poesía y el arte se dieron cita en torno a una artista, Cristina Merino, que,  con tan solo 25 años,  emerge con fuerza en el panorama literario español. 

Cristina Merino, nacida en Terrassa (Barcelona), ha encaminado su vida hacia el estudio de las Artes y la práctica de la Poesía, pasiones ambas que conviven y se complementan es sus versos. Graduada en Historia del Arte, Crítica del Arte y Conservación del Patrimonio Artístico por la Universidad Autónoma de Barcelona, además de Tasadora de Arte y Antigüedades por la Universidad de Alcalá, continúa de forma incansable formándose y creciendo como profesional tan-to en el mundo literario como en el del mercado del arte y las industrias culturales.

Inicia su andadura literaria a través de su blog Distorsiones en el Cielo en el cual publica-rá de forma periódica sus poemas desde 2013, lanzando un poemario homónimo en 2015 de la mano de la editorial Círculo Rojo. Además, asociado a este proyecto editorial encontramos la gira músico-poética que realiza por la geografía española junto con el músico Joel Reyes.

Para Merino, la música es esencial en muchos sentidos, la emplea tanto en el proceso creativo como a la hora de recitar sus poemas, dando lugar a este formato tan interesante que combina música en directo con sus versos. En esta línea de trabajo y expresión encontramos también la colaboración de la artista, entre 2016 y 2018, en tres videos de DW & DEMONS CREATIVES. En ellos además de música se añaden movimientos de baile urbano krump, dando como resultado una serie de videos socialmente comprometidos desde la perspectiva de género.

Saudade, el Jardín de las Rosas Azules

Saudade es una palabra portuguesa para la cual no existe una traducción directa en nuestro idioma. Se trata de una palabra compleja que expresa el sentimiento de nostalgia hacia lo amado y la melancolía que esto produce, sabiendo que aquello que amamos no volverá a nosotros ni a ser lo mismo. La idea de esa imposibilidad se refuerza con el uso en el título del poemario de la imagen de las rosas azules, que simbolizan precisamente lo imposible. Cada poema es una rosa azul que en su conjunto forman un jardín que nos llevará a través de una historia de amor romántico y su superación.